jueves, 11 de junio de 2020

Encuentros en línea “Teatro para la vida” Diviértete y libérate.

ES HORA DE HACER ALGO POR TI




Encuentros en línea “Teatro para la vida” Diviértete y libérate.

Duración: Tres encuentros que te inspirarán al cambio.


Propongo que esta experiencia sea un verdadero encuentro entre personas que quieran disfrutar de las actividades teatrales en post de una mejor calidad de vida.
Cada decisión de intentarlo es un casillero avanzado en el juego de la vida.
En el teatro, se abre el telón, la magia comienza y los personajes cobran vida. Fuera del escenario la vida no nos permite ensayos ni repetir la función que acaba de terminar, pero sí podemos acomodar a favor, dentro de las posibilidades de "la obra", es decir, de nuestra vida cotidiana,  los elementos que componen la escena y elegir si ser protagonistas o secundarios, cómo relacionarnos con el otro y con el entorno, y otros factores que convierten la realidad de los personajes que somos.
Te invito a ser parte y a disfrutar de la hermosa  función que puede resultar ser cada día.

ES HORA DE HACER ALGO POR TI

Haz TEATRO PARA LA VIDA. PARA TU VIDA.


La actividad será en modalidad on line (por Skype) y se llevará a cabo los días miércoles  08, 15 y 22 de julio de 2020 de 18 a 20h España (11h Mexico y Colombia, 13h Argentina, 12h Miami y Chile y así en cada lugar del mundo dónde te encuentres)

Si quieres participar, por favor contácteme a contactoteatroparalavida@gmail.com





#teatroparalavida #clasesonline #coaching #health #relax #aceitesesenciales #amorpropio #equilibrio #saludybienestar #lifestyle #energia #terapia  #bienestarysalud  #saludmental 


viernes, 12 de abril de 2019

Wilde Shakespeare




ÚNICA FUNCIÓN
Con la investidura de dos titanes de la literatura:: Shakespeare y Oscar Wilde; James Murray & Hugo Halbrich interpretan monólogos, sonetos, textos y escenas. Pasando por Hamlet, Ricardo II, Enrique V, Rey Juan, Como Gustéis, La tempestad, Un Marido Ideal, La Importancia de llamarse Ernesto etc.
Espectáculo íntegramente en idioma Inglés. A beneficio de B.A.B.S.

With the investiture of two titans of literature: Shakespeare and Oscar Wilde; James Murray & Hugo Halbrich perform monologues, sonnets, texts and scenes. Going with Hamlet, Richard II, Henry V, King John, As you like it, The Tempest, An ideal Husband, The importance of being Earnest etc.
A show in the English language. In aid of B.A.B.S.
Ficha técnico artística
Actúan: Hugo Halbrich  - James Murray
Dirección: Hugo Halbrich  - James Murray
Asistente de Dirección: Belén Caccia
Producción Ejecutiva:  Susana Halperín 
Asistente de Producción: Fanny Vega
Stage Manager: Maruja Ceccotti
Asistente de Escenario: Ana O’Toole
Diseño de Iluminación: James Murray
Vestuario: Mabel Falcone
Asistente de Vestuario: Lara Blisniuk
Técnico de Sala: Daniel Capoya










Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
BAC (BRITISH ARTS CENTER)
Suipacha 1333 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4393-6941
Web: http://www.britishartscentre.org.ar
Entrada: $ 350,00 - Sábado - 21:00 hs - 27/04/2019 


miércoles, 2 de agosto de 2017

Lela & Co.


La semana pasada estuve en Chicago, la tercera ciudad con mayor número de habitantes en Estados Unidos. No comienzo mi nota con ese dato por casualidad. Es que en una ciudad con tanta gente, un teatro del Off decidió presentar una obra que nos cuenta la realidad de mucha otra gente de la que nunca se habla, a la que nunca vemos, y de la que seguramente nunca llegaríamos a saber, de no ser por la magnífica representación de una actriz argentina llamada  Cruz González - Cadel , que acompañada (y por momentos fuertemente sostenida) por el actor Chris Chmelik, nos hace temblar a corazón abierto sumergiéndonos en lo más hondo de la vida de una mujer llamada Lela.
El canto es un modo genuino de desnudar nuestras almas, será por eso que cuando Lela comienza a cantar y es interrumpida constantemente por una voz masculina omnipresente… se establece el conflicto y se acrecienta la impotencia.
Una nena que se convierte en mujer literalmente a los golpes frente a nuestros ojos.
En una puesta valiente de Robin Witt, los espectadores comenzamos a ver la obra cómodamente sentados ante unas pintorescas mesitas, con velas románticas en el centro, sillones y marcos sin cuadro, dignos del bar más pituco de Palermo. Un minúsculo escenario al centro, puede darnos el indicio de que esta obra de teatro, casi monólogo, transcurrirá ahí. ¡Sorpresa! No es así. La vida no es así. Lela nos rodea, con su presencia, con su voz, con su mirada penetrante. Nos obliga a movernos para mirarla, a seguirla, hasta que nuestros corazones se estrujen con su relato y de pronto nos reímos con sus comentarios divertidos. Porque los tiene. Lela es una mujer esperanzada, soñadora, obstinada, que no pierde el humor, la inocencia y la confianza en el futuro. Es una mezcla de leona hambrienta y gatito indefenso a través de la cual la jovencísima autora Cordelia Lynn pone en su texto extraordinariamente llevadero, creíble, profundo, y con un gran sentido del humor, una mirada crítica sobre la guerra,  la violencia del patriarcado y el capitalismo y esta realidad que aqueja a mujeres de diferentes partes del mundo, incluso más cerca de lo que muchos podemos o queremos creer.
Muchas de ellas nunca llegan a contar sus historias, no tienen la oportunidad ni los medios, las desborda el miedo, o simple y terriblemente no encuentran a quien quiera oírlas.
Lela es una de esas mujeres. Es todas esas mujeres. Y nosotros, espectadores, somos esos que sabemos que Lela está ahí. La vemos, nos rodea, está cerca, está lejos, pero no hacemos nada para detener su calvario. Estamos cómodamente sentados en nuestras sillas bonitas, en el camaleónico Steep Theatre de Chicago, y como en el mundo real, seguimos en nuestro rol de espectador, conmovidos, si, pero escudados en nuestro “a mí no me va a tocar”.
Tan creíble es la actuación de Cruz González – Cadel, tan llena de verdad, que por momentos deseamos que se suba de una vez a esa pequeña plataforma y actúe allí recordándonos que es teatro lo que estamos viendo. “¡Por favor, actuá!” le hubiera gritado en un momento. Cuando ya no quería sentir más ternura y compasión por ella. Era eso o correr a abrazarla. Pero aguanté, y cuando llegó el momento de verla en la plataforma, no fue para nada tranquilizador.  Nos sorprendió de pronto un tsunami de sentimientos que no vimos venir y arrasó con la sala entera. Estábamos de pronto, de algún modo todos juntos en esa pequeña plataforma. (Destaco como gran soporte de la puesta, el diseño de sonido impecable, que crece gradualmente y aumenta la mezcla de fantasía y realidad propuestas).

No quiero contarles más sobre la historia, porque tengo la esperanza de que algún productor tenga la inteligencia de traer esta puesta a la Argentina.

Basada en una historia real, lamentablemente en muchas historias reales, Lela & Co. , siendo un retrato vehemente la injusticia, la violencia, la soledad, la misoginia y la trata de personas, es una historia inexplicablemente divertida y apasionante, que nos hace pensar y sentir.
Atribuyo a la gran calidad artística que compone esta puesta en todos los rubros, el que la angustia no perdure al salir de la sala, sino que, sin perder la conciencia y el mensaje que nos ofrece,  nos deja también la sensación de haber visto una hermosa pieza de arte y la esperanza de que por medio de ella, muchas voces dejen de estar silenciadas.

Belén Caccia para Teatristas.

Todo el teatro en un solo programa de radio. En su 5° año al aire ininterrumpido en Radio Sentidos. Todos los jueves de 18 a 19.





















Elenco: Cruz Gonzalez-Cadel y Chris Chmelik
Director - Robin Witt
Stage Manager - Lauren Lassus
Diseño de escenografía - Joe Schermoly
Diseño de Iluminación - Brandon Wardell
Diseño de sonido - Thomas Dixon
Diseño de vestuario - Jessica Kuehnau Wardell
Diseño de utilería - María DeFabo
Coreografía de Lucha - Christina Gorman
Dramaturgia - Carina Abbaticchio
Directores Adjuntos - Michael Rogerson & Isabel Perry

Jefe de Producción - Julia Siple

Podés saber más de la obra en: http://steeptheatre.com/lela/

lunes, 10 de julio de 2017

Candy Crush Saga

Candy Crush Saga ,es una obra de teatro en la que una
familia argentina saca a relucir todo tipo de conflictos entre ellos con un detonante tan inocente y tan inesperado como una lata de caramelos importados.
Humor y drama en convivencia absoluta.
Guion y puesta respetan todas las características del grotesco criollo.
Así como el motor de acción es la búsqueda de comunicación por parte de los personajes, denotando su deseo de hacerse valer, ser escuchados, ser queridos y respetados, pero con cierta falta de conciencia y una alta dosis de hipocresía que les impide lograrlo.
La situación de estos personajes, maravillosamente interpretados por los cuatro únicos actores que conforman el elenco, (que permanecen a la vista del espectador durante toda la obra), los hace caer en lo patético, llegar a sentimientos extremos, bajos, de alto nivel de tensión y expresarlos abruptamente despertando de esta manera, risas inevitables en la platea.
Los procedimientos utilizados son la yuxtaposición entre lo trágico y lo cómico, y la tensión que se resuelve solo hacia el final de cada instancia o corte del guion. (Ya que se presenta como si fueran varias historias en una, o diversas aristas de la misma historia)
El título no es azaroso ni se limita al hecho de que "Candy" significa "caramelo" en inglés.
"Candy Crush Saga" es originalmente, el nombre de un videojuego multi idioma disponible como una aplicación de Facebook y adaptado para los sistemas operativos Android, iOS y Windows Phone, o sea, todo el mundo podría jugarlo.
Y ¿Por qué de pronto les cuento sobre un video juego? Porque a simple vista no parecería ser distinto a otros juegos del mismo género pero son las características sociales las que lo hacen atractivo o especial ya que a partir de cierto nivel el jugador deberá abogar por la ayuda de sus amigos y así ganarse el derecho de jugar en otros escenarios. Además, puede pedirle vidas a su red de conocidos en caso de que haya perdido muchas de las suyas.
A través de un padre, dos hermanas y un casi abogado, esta obra reproduce una época de crisis, de descomposición colectiva en el que las instituciones (como la familia), las ideas y los sentimientos están en búsqueda de un orden nuevo que sustituya el anterior.
A nadie le gusta su vida en definitiva, pero no puede pedirle vidas a nadie más. Cada quien tendrá que hacerse cargo de la suya.
Denota un fino estudio y comprensión del género, que tiende hacia el tratamiento, el encuentro entre el ser y el parecer, y conserva su función esencial de deformación.
Jorgelina Vera presenta una clarísima composición del personaje, representado con un nivel supremo de comprensión de estilo, en una "señora bian", al ser humano en su dualidad como ser individual y como ser que aparenta ante la sociedad. El humor y el drama coexisten entre cada palabra y cada gesto de esta actriz, que sostiene la tensión constantemente convirtiéndola en un elemento que moviliza una y otra vez la tragedia.
En definitiva, esta obra incita a una percepción individual cuya visión penetra las costumbres y el orden convencional y permite ver la naturaleza real de las cosas.
Soledad Bautista en su actuación, a pesar de esos momentos de reacciones exageradas y tics faciales sobreactuados claramente adrede, no nos da lugar a desconfiar de la veracidad de su relato. Porque su relato es real dentro del pacto ficcional en el que nos sumerge la directora Claudia Vargas desde una primer instancia.
Por momentos Bautista en su personaje me recuerda a la entrañable nuera de mama Cora, magistralmente interpretada por Mónica Villa en la película Esperando la Carroza. (Es solo una nota de color a nivel personal, no acuso copia ni intención de hacerlo) logra ganarse el afecto del público, teniendo de algún modo a su favor, al personaje de la obra que despierta mas identificación por parte de los espectadores. (Claro que sin su excelente desempeño, esto sería imposible).

Lo inalcanzable, lo prohibido, lo ajeno, lo diferente y "lo que viene de otro lado "conviven con la desconfianza, la envidia, el miedo a lo diferente, la no aceptación del otro, la no aceptación de uno mismo y la mentira constante a la que se ve sometida la sociedad.
Dicho así parece que estuviera hablando de un drama o de una obra aburrida o pesada, pero estoy tratando de describir la profundidad de una obra que se presenta como algo liviano, a través de magistrales interpretaciones y coloridos y acertados vestuarios.
El escenario despojado de escenografía, salvo por unos pocos muebles y la bandera argentina que toma en alguna circunstancia cierto protagonismo, resultan un acierto para contrarrestar con lo extremo de las interpretaciones y el peso de lo narrado.
Federico Marrale acompaña correctamente el relato, mientras Guillermo Aragones, se adueña del personaje imponiendo un estilo realista sin romper el código del grotesco al que hice tanta mención anteriormente. Nos hace comprender a este padre y al instante sentir pena y luego hasta desprecio o algo de temor por él para volver a entenderlo. Y en esa exageración de sentimientos antagónicos es que nos mantiene en estilo. La solidez de un actor se nota desde el momento en que entra a escena, y eso ocurre con él.
El elenco está muy bien elegido para cada rol, es notoriamente profesional, y agasajan a los espectadores con verdaderas voces de actores de formación sólida y vasta experiencia. Agradecidos los amantes del buen teatro por ese obsequio.
En conclusión, Candy Crush Saga es un videojuego divertido con alto grado de satisfacción y que es atractivo para todo tipo de público. Lo mismo se puede decir entonces de esta obra que se presenta en el Teatro Chacarerean teatre los lunes a las 20:30h (quitando lo de que es un videojuego, claro)

Todos los jueves a las 18 h por Radio Sentidos


El talentosísimo equipo está conformado por:
Actores: Soledad Bautista, Federico Marrale, Jorgelina Vera, Guillermo Argonés
Dirección: Claudia Vargas
Música: Fede Marrale
Iluminación: Martin Patlis
Vestuario: Cristina Titi Suarez
 CHACAREREAN TEATRE Nicaragua 5565 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina Teléfonos: 4775-9010 Web: http://www.chacarereanteatre.com.ar Entrada: $ 220,00 - Lunes - 20:30 hs - Hasta el 17/07/2017
TEATRISTAS: VEMOS TEATRO, HACEMOS TEATRO, SOMOS TEATRO


lunes, 3 de julio de 2017

Canciones en tranvía - Anita Martìnez

Canciones en tranvía
Se acercan as vacaciones de invierno y con ellas, aparecen nuevas propuestas teatrales diurnas durante quince días, tanto en salas comerciales como en las que componen el circuito off.
Actores, cantantes, mediáticos y hasta ex vedetes se suman a elencos que proponen divertir a los chicos y en algunos casos, también a los adultos, agotados de absorber la sorprendente energía infantil por tiempo competo.
En este marco se presenta en el teatro La Comedia (Rodríguez Peña 1062) "Canciones en tranvía", con dirección de Anita Martinez.
Una mixtura colorida y dinámica de música, danza, pequeños números de circo, animación y hasta patinaje y títeres. Un vestuario y una escenografía bellos y funcionales, de buen gusto y expresivos. El tiempo justo de duración y las luces muy bien utilizadas (tengo mis reservas acerca del apagón total en un infantil pero nadie salió llorando, así que sólo son mis reservas al respecto)
Podría describirla como una combinación armoniosa del típico infantil de "¡hoooooola chicos!" (Que los padres detestamos pero los chicos suelen aceptar a gusto si está bien hecho) y el, lamentablemente no tan visto, espectáculo artístico completo que contiene incluso, cierta exhibición de virtuosismo.
Con esto digo que "Canciones en tranvía" es una verdadera propuesta de entretenimiento que logra agradar a grandes y chicos porque está hecha con verdadero criterio teatral, ritmo, calidad y buen gusto.
La inteligencia de incorporar canciones de María Elena Walsh, excede la calidad de sus composiciones. Es un astuto modo de incluir a espectadores de todas las edades ya que se trata de esa música que los argentinos pasamos de una generación a otra. Unos mas, unos menos, pero están incorporadas en nuestro folclore. Su inclusión es además, orgánica y con una razón de ser en la historia.
No se trata de un mero recital ni pretenden tampoco que los más chiquitos sigan el hilo de una historia intrincada. Vi durante la función a chicos de unos siete años respondiendo exaltados y absortos en la fantasía propuesta, las preguntas de los personajes que rompían magníficamente la cuarta pared, y a mi hijo de casi dos años manteniendo su vista en el escenario y su sonrisa constante, absorto en ese espectáculo tan completo.

El elenco:

Nicolas Armengol, me recordó por momentos al gato de Alicia en el País de las Maravillas, con su mirada aguda, sus movimientos zigzagueantes y su humor ácido. Conociendo sus dotes de bailarín, me asombró y hasta decepcionó verlo aparecer en un principio con chalupas (esos zapatos enormes que usan los payasos) pero resulta que este hombre es además un comediante excepcional, con un gran manejo del público y una hermosa voz hablada y cantada. Y, afortunadamente para todos nosotros, también bailó. Tuve que mirar con atención si se había cambiado los zapatos porque por momentos parecía levitar, pero no. El señor seguía con las chalupas y así y todo, bailaba desbordando de talento el escenario de la calle Rodríguez Peña. Considero un lujo contar con un artista así para brindarles entretenimiento a los chicos, siendo el género infantil, tantas veces mal interpretado o descalificado, como si fuera un un género menor. Y no. Un espectáculo pensado y dirigido a los espectadores menores es un desafío inmenso. Ellos desconocerán la diplomacia a la hora de levantarse de sus butacas por aburrimiento o expresar a los gritos que no le gusta determinada canción. Armengol no solo maneja a placer su contacto directo con estos difíciles espectadores, sino que se suma el desafío de interactuar en más de una oportunidad a lo largo de la obra, colmando de risas la sala.

Sol Dip, que forma parte del trío protagónico, aporta unos dulces y
afinadísimos tonos aguditos. Esta nena de quince años (si, tiene quince años) logra empatar muy bien en las coreografías grupales y sostener sus momentos solistas con estilo propio.
Los artistas que hacen malabares, diávolo, títeres, aro… merecen ser nombrados y son: Carlos Marin, Camila Mendez Riveiro (por momentos hipnótica ) y Jhonny Circo. Se trata de artistas completos, con esa garra y magia que tienen algunas personas y que no se compra ni se estudia en ningún lado. Se tiene o no se tiene. Y se nota potenciado, por supuesto, con experiencia, formación y esfuerzo. ¡Bien por quien haya hecho la elección del elenco!
Antes de ver "Canciones en tranvía", yo no sabía que Silvina Escudero, disculpen mi ignorancia, tenia tanto talento. Es una comediante genial, divertida, que conoce sus fortalezas y debilidades y lo maneja muy inteligentemente (sobre todo porque en el escenario, parecen ser muchas más sus fortalezas).
Responde además, a las vicisitudes que se presentan en un espectáculo infantil con una improvisación veloz y acertada, canta correctamente y baila…wow.
El momento donde Silvina Escudero y Nicolás Armengol presentan su número de Tap, resultó la frutillita de la torta.

Esta torta que recomiendo comer en las vacaciones de invierno, porque va a convertir el "llevar a los chicos al teatro" en "ir con los chicos al teatro", y pensando en dos semanas sin escuela…es una gran diferencia.


VEMOS TEATRO, HACEMOS TEATRO, SOMOS TEATRO

Y antes de ver la obra, habíamos entrevistado a Sol Dip. Podés ver el video en este link: https://www.youtube.com/watch?v=nS5...

Y estamos todos los jueves EN VIVO a las 18 h por Radio Sentidos


Pueden comprar entradas y/o ver horarios de función de esta obra en: https://www.plateanet.com/Obras/canciones-en-tranvia



sábado, 24 de junio de 2017

BollyWood



Resultado de imagen para bollywood muscariMuchos conocen a Jose Maria Muscari porque lo vieron en la tele haciendo algún comentario picante o promocionando las obras que dirige en el llamado “teatro comercial”. Ellos serán los que quizá, al ver el afiche de BollyWood , otra obra dirigida por él, piensen que verán algo relacionado con Bailando por un sueño o los programas de chimentos.
Otros tantos, sabiendo que Muscari es un personaje que tiñe con su estilo caprichosamente propio el teatro porteño desde hace tantos años, esos que conocen a este egresado de la Escuela Municipal de Arte Dramático que no sigue las reglas, que inventa, crea, prueba constantemente y al que es imposible encasillar en un estilo convencional , saltando del teatro comercial al off constantemente e incluso habiendo incursionado en el teatro oficial… quizá piensen que se trata de otra locura de teatro alternativo incoherente pero repleta de coherencia con artistas disimiles y propuestas novedosas mezcladas con clichés…
Debo decir acerca de BollyWood, que con cualquiera de las dos conclusiones prejuiciosas estarán en lo cierto. 
Resultado de imagen para bollywood muscariEs una obra de teatro imposible de encasillar y repleta de mensajes relacionados con lo relativo de la fama, la subjetividad del éxito, la competencia, lo profundo, lo superfluo... la India y Buenos Aires.
BollyWood es una obra de teatro de las más Muscari que vi en los últimos tiempos. Una mezcla de sus viejas propuestas, donde el director “jugaba” con ctores que desbordaban talento pero cuyos nombres desconocíamos, y sus últimas propuestas, donde se entre mezclan la información mediática con el arte más puro y artistas de vasta trayectoria con alguna cara de la tele de hoy o de antaño.
Los artistas de BollyWood son muchísimos, (sólo en escena son treinta) y al comenzar parece que fueran miles y que nunca podríamos individualizarlos, sin embargo, con el transcurso de la obra logramos conocerlos, escucharlos y comprender las realidades, aún de quienes no tienen un texto para expresarse oralmente.
Resultado de imagen para bollywood muscari
Podemos disfrutar de una brillante conducción de la obra por parte de Emiliano Figueredo y Mariela Asensio, pero a pesar de eso, la puesta no presenta necesariamente protagonistas, sino más bien una suerte de personajes conductores, conectores, lo que representa una difícil tarea, muy hermosamente desempeñada por ellos dos, con sutilezas que nos llevaban como espectadores de la risa a la reflexión.
La tele se mezcla con la vida. Los famosos son parte de nuestra cotidianidad, almorzando o desayunando con nosotros a través de la pantalla o contándonos sus secretos a través de las redes sociales, y Muscari lo sabe. Lo sabe y lo desnaturaliza en escena con algún tipo de morbo teatrista, a través de artistas talentosísimos del off, que se desloman actuando en una obra de la que saben que nunca serán protagonistas, por la que nunca se harán ricos, por la que tuvieron que dar una agotadora audición para ser parte, y que claramente requirió de mucho ensayo para ser lo que presentan hoy en el teatro IFT los viernes y sábados a la gorra.
El humor prevalece sobre todas las cosas. Es una obra cruel y desgarrada que tiene tantas capas como uno pueda o quiera ver. Pero el humor es el idioma que más se habla a lo largo de toda la obra formando un todo dinámico y atractivo con un timing de comedia cercano a la perfección. Premisa + pie = Remate.
Luz, habla uno, luz, habla otro, remate, música, otro acota, remate. Uno tiene micrófono, otro habla a viva voce, otro pasa bailando y luego algún desnudo,otro toca un instrumento, una chica con un sable, remate. Impecable. De pronto aparece una actriz morocha, bajita, con tono parco y pisada firme, que se come a la platea con cada gesto y nos obliga a reírnos a punta de látigo. Todos son muy buenos, todos están muy bien, pero no puedo dejar de mencionar la participación de Bianca Vilouta Rando.
Resultado de imagen para bollywood muscariLa crudeza de lo que sucede en India podría ser una analogía de lo que sucede en nuestro país, aunque no necesariamente se trata de una crítica social o política sino de una exposición del estado del mundo artístico actual, tomando por artístico a la subjetividad de lo que el arte en realidad es , y su relación con la fama, lo mediático, lo comercial…
Puedo ponerme a hilar fino sin temor a que me tomen por pacata y decir que hubo algún momento que hubiera preferido no ver, pero también puedo poner ojo de espectador generoso y pensar que lo que el director intentó, fue realmente o deprimirme con ciertas imágenes o ponerme incomoda con cierta escena, y si así no hubiera sido, tampoco se opacó por eso el mensaje transmitido o el talento de quienes lo interpretaron. Y puedo agregar que hasta quizá, se vio beneficiado por el contraste.
Resultado de imagen para bollywood iftEn BollyWood,queda claro que la esencia del artista se mantiene viva por lo que lo apasiona y no por cuántas entradas vende. Que los artistas del off no son tontos que juegan a tener su momento de fama sino apasionados que disfrutan el actuar, independientemente del resultado externo que esto pueda implicar. Todos queremos fama, dinero, reconocimiento, respeto... ¿todos queremos fama? “Quiero el prestigio de Elena Tasisto”, se dice en un momento, y en ese momento ya nada de lo nombrado anteriormente parece importante. Las fotos tomadas en el palier del teatro antes de la función pasan a ser un acto superfluo e innecesario ante semejante anhelo compartido hasta entonces, en silencio . Alguien lo pone en palabras, lo resume en ese deseo tirado al aire. Mucha gente sabe quién es Wanda Nara pero no tiene idea de quién era Elena Tasisto. ¿Todavía queremos fama?¿Solo eso?
Es una obra honesta, cruda, que si bien no presenta una historia lineal o una trama específica, llega a capturar la atención del espectador esperando “¿y ahora qué va a pasar?”
BollyWood se presenta como una obra con un elenco sin estrellas. Yo disiento. Creo que es una obra repleta de estrellas que iluminan el viejo teatro del barrio del Once, con talento y laburo enmarcado en una puesta caprichosamente Muscari, que se presta para lucirlos y nos entretiene entre palo y palo a la realidad del teatro porteño y todas las disciplinas que con él se relacionan.

Todos los jueves a las 18 h por Radio Sentidos

El talentosísimo elenco está conformado por:
Resultado de imagen para bollywood muscari

Todas estrellas.

Pueden ver la obra A LA GORRA:
Los viernes y sábados a las 22 h. Domingos a las 20h. Espacio IFT, Boulogne Sur Mer 549. (Barrio del Once)




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